“Mixed” Results. An Introduction to Analyzing Music Production through Eight Commissioned Metal Mixes

Dieser Artikel führt Musiktheoretiker:innen und Analytiker:innen in Aspekte der Tontechnik und Produktion ein, die innerhalb der populären Musik weitgehend übertragbar sind. Wir reflektieren, warum die Analyse von Klang und seiner Produktion nützlich ist, gefolgt von einer Fallstudie zu »In Solitude«, einem original zu diesem Zweck geschriebenen und produzierten fünfminütigen Lied, das von acht der weltweit führenden Metal-Produzenten verschiedener Generationen abgemischt wurde. In dieser Fallstudie zeigen wir, wie Analytiker:innen Aspekte der Lautstärke grob auf einer virtuelle Klangbühne abbilden können, die Hörer:innen für subtile, aber folgenreiche Produktionsnuancen sensibilisiert. Um zu erklären, wie dieser virtuelle Raum funktioniert, führen wir die Leser:innen durch psychoakustische Beziehungen von Breite, Höhe und Tiefe. Anhand dieser Konzepte und ihrer Beziehungen zur (Psycho-)Akustik zeigen wir, wie die teilnehmenden Produzenten Hörereindrücke einer virtuellen Klanglandschaft unterschiedlich manipulieren. Diese Produktionsentscheidungen spiegeln nicht nur Umgebungseindrücke wider, sondern reflektieren breitere ästhetische Trends im Zusammenhang mit Subgenre-Erwartungen im Metal. Wir hoffen, dass diese Fallstudie als Grundlage dient, um Analytiker:innen populärer Musik zu helfen, Tontechnik in ihre Analysen einzubeziehen. Solche Arbeit muss das Rad nicht radikal neu erfinden; sie kann Produktionsqualitäten in traditionelle Beobachtungen zu Harmonie, Melodie, Rhythmus und Form integrieren. Wir argumentieren, dass die klanglichen Nuancen der Produzenten die Normen und Erwartungen einzelner Subgenres, wie sie auf der Aufnahme – dem maßgeblichen Text innerhalb der populären Musik – existieren, widerspiegeln und prägen. Dementsprechend könnten Analytiker:innen fragen, wie diese Normen durch Produktionsentscheidungen ebenso wie durch Elemente des Songwritings bedient oder durchbrochen werden. This article introduces music theorists and analysts to aspects of audio engineering and production that are widely transferrable within popular music. We reflect on why analyzing sound and its production is useful, followed by a case study of “In Solitude,” an originally written and produced five-minute song that was mixed by eight of the world’s leading metal music producers spanning several generations. In this case study, we demonstrate how analysts can roughly map aspects of loudness onto a virtual soundstage that helps sensitize listeners to subtle, but consequential, production nuances. To explain how this virtual space works, we guide readers through psychoacoustic relationships of width, height, and depth. Using these concepts and their relationships to (psycho-)acoustics, we show how the participating producers variously manipulate listener impressions of a virtual soundscape. Beyond environmental impressions, these production decisions reflect broader aesthetic trends related to subgenre expectations in metal. We hope this case study serves as a primer in helping popular music analysts include audio engineering in their analyses. Such work need not radically reinvent the wheel; it can integrate production qualities into traditional observations such as harmony, melody, rhythm, and form. We argue that the producers’ timbral nuances reflect and inform the norms and expectations of individual subgenres as they exist on the record, the definitive text within popular music. Accordingly, analysts might ask how those norms are served or thwarted by production choices as much as songwriting elements.