The Development and Expansion of Abstract Animation in Relation to Technological Advancements

본 논문은 추상애니메이션이 20세기 초반부터 현대에 이르기까지 기술 발전과 어떻게 상호작용하며 미학적 • 개념적으로 변화해왔는지를 체계적으로 고찰한다. 추상애니메이션은 서사적 전개를 배제하고 색, 형태, 운동, 리듬 등을 통해 시각적 • 청각적 경험을 창출하는 예술적 형식으로, 등장 초기부터 새로운 기술의 수용과 실험을 통해 자신만의 미학적 지평을 구축해왔다. 그러나 지금까지 추상애니메이션에 대한 연구는 서사 중심의 애니메이션 연구에 비해 상대적으로 소외되어 왔으며, 이는 미학적 • 기술적 성과에 대한 체계적 이해의 부족이라는 문제를 낳았다. 초기에는 오스카 피싱거, 렌 라이와 같은 작가들이 필름과 카메라, 광학적 합성 등의 기술을 활용해 비서사적 형식과 순수 조형미를 추구하며 추상애니메이션의 토대를 마련했다. 이후 컴퓨터와 디지털 기술의 도입은 존 휘트니, 만프레드 모어, 마이클 놀 등 주요 작가들에 의해 추상애니메이션의 표현 영역과 제작 방식을 혁신적으로 확장시켰다. 특히 이들의 작업은 전통적인 방식으로 제작된 애니메이션의 한계를 넘어 3D 시각요소와 융합, 알고리즘을 활용한 자동생성 등 융합적이며 다양한 방식으로 새로운 시각적 경험을 가능하게 하였으며 추상애니메이션을 실험영화의 한 갈래에서 디지털 예술의 중심 영역으로 확장시키는 중요한 전기를 마련하였다. 현대에 들어서는 인공지능, 가상현실(VR), 인터랙티브 미디어 등의 첨단 기술이 예술 창작의 주체로 등장하며, 추상애니메이션은 관객 참여와 상호작용, 실시간 생성 등 새로운 개념으로 진화하고 있다.<br/> 본 연구는 시대의 흐름에 따라 대표적 작가와 작품을 살펴보고, 추상애니메이션의 특징을 레거시테크놀로지와 뉴테크놀로지의 혼용, 뉴테크놀로지로 인한 개념의 확장, 그리고 작가의 뉴테크놀로지 개발 참여와 협업이라는 세 가지로 나누어 분석하였다. 이를 통해 추상애니메이션이 단순한 비서사적 영상에 머무르지 않고 기술적 실험을 통한 예술적 표현의 확장과 창작 방식의 다변화를 이끌어왔음을 밝힌다. 나아가 본 연구는 추상애니메이션과 기술의 관계를 규명하는 것이 동시대 예술 이해와 미디어 환경 분석에서 필수적임을 강조하며, 변화하는 미디어 환경 속에서 추상애니메이션의 현재적 의미와 미래적 활용 가능성에 대한 이해를 심화시키는 데 기여하고자 한다.